Ed_Kwan

【PS】懒人速成手册!高手写的PHOTOSHOP后期修图工具全科普(附案例)

储物柜:

CR.优设 作者:他山之眼


整体思路: 


1、使用颜色混合模式营造照片基调。


2、使用色彩平衡对不同曝光区域进行调整,营造色偏。


3、使用可选颜色加强灯光的表现力。


4、用海绵工具或者HSL调节加强灯光的饱和度。


5、锐化。


6、暗角。


后期是一件很有意思的事情,一旦你掌握了这个体系,你会发现很多事情不过是手到擒来。


比如说,如果要调整颜色,你会想到什么工具?


可能一般的人会想到可选颜色、色相/饱和度、柔光混合模式、颜色混合模式、色相混合模式、色彩平衡、曲线工具等等等等。


但是,一般的人就是这么一些零碎的点,无法将其整体化,从而在调色的时候无法随心所欲。


我在书里面都讲过这些工具,并提到了具体的适用情形,在此,我再具体归纳一下:


 按颜色分:


可选颜色工具、色相/饱和度工具。


这两个工具是以颜色本身作为分类依据进行调整的。


可选颜色一般用于微调,制造色偏。


色相/饱和度工具一般用于大幅度调整,改变色彩性状。


 按亮度分:


色彩平衡工具。


色彩平衡工具是以高光、阴影、中间调作为分类依据,然后分别调整的。


比如你想在高光部分增加青色,那么就选择高光——青色。


 按主观意图分:


柔光混合模式、颜色混合模式、色相混合模式。


这几个工具是根据使用者主观定义的色彩改变色彩性状。


具体可以看下这个链接:《旁门左道第一期!调色高级技巧之色彩的定向分离》


 按色彩区域分:


曲线工具。


这个工具无法精准的调整色彩,但能影响色彩的大致趋势。


比如蓝色通道提亮,那么就能够让画面整体偏蓝。


有了以上这么一个大致分类,你在进行色彩调整的时候,思路就会清晰不少。


我到底是要改变整体的颜色状态?还是针对某个颜色?或者改变某个曝光区间的色彩?或者是改变图片整体的色彩趋势?


具体到这幅图片。


首先,它有一个颜色基调,同时,阴影部分偏紫,高光部分偏青色,黄色比较突出。


可能以前你看到这句话没有感觉。


但是现在呢?基调?阴影?高光?黄色?


我觉得你应该有一定的感觉了,哈哈。


我们先看一下原图:



  



  



整体的色调非常统一,整体以中性色为主,色彩的饱和度都不高。


如果画面的色调非常统一,我们在模仿的时候,第一个想到的应该就是:颜色混合模式。


颜色混合模式可以把各种颜色最终统一到一种颜色下面,只是明度会发生变化。


但是我们在实际的使用过程中,一般而言是需要结合不透明度使用的,毕竟单色图片适用的范围不广。


我们首先要调整原图的曝光,方法是拉曲线+蒙版。


拉两根曲线,用三个蒙版。



  



我的意图就是让整个画面的曝光比较均匀,细节比较丰富。


对比一下



调整完之后,接下来就是上底妆:颜色混合模式。


我们新建一个图层,填充色彩R104、 G123 、B129,把混合模式改为颜色,不透明度调为40%左右。


颜色上是不是比较接近了?



  



然后我们再观察一下画面的颜色。


画面阴影部分有轻微的紫色,中间调及高光泛着轻微的青色。


因为这是以亮度进行划分的,所以我们应该用:


色彩平衡。


参数如图:



  



  



也许你会觉得,这么多参数我怎么记得住呢?


其实不用记,有一个大致的色彩概念就可以了


阴影:洋红+蓝色


中间调:青色+绿色+蓝色


高光:青色+绿色+黄色


具体数值自己根据需要调整


如果你实在把握不准,阴影加洋红,中间调及高光加青色也不是不可以。


接下来,我们使用可选颜色增强黄色也就是车灯的表现力:



接下来用海绵工具,模式饱和,流量50%,擦灯光处,擦完之后用蒙版修饰。


其实就是增强灯光的饱和度,不至于因为使用颜色混合模式把灯光的表现力削弱了。


这个方法其实很笨,但是可控性高。


我们还可以选择HSL:



注意观察橙色的浮标



这种方法的优势很明显,那就是快捷方便。


但缺点嘛:就是因为颜色之间的界限并不是完全分明的,所以可能会影响到其他的色彩。


到这一步,色彩部分基本上就完成了。


然后我们锐化一下,加一个黑角,就差不多完成了。


我觉得看完这个答案,各位对颜色调整应该有一个比较整体的认识了吧。


 然后再说两句题外话:


一、这里的绝大多数回答引用的图片基本上都是不可能达到这种效果的。原因很简单,题主给出的图片里面主要就两种颜色,整体色调非常平稳。


但是很多人引用的图片颜色非常跳跃,且种类繁多,基调都无法营造起来,更别说后面的了。


这充分说明:一套参数有其固定的适用对象,不是任何一张图片都能用上去的。


二、各位看我的答案也不是看我去怎么模拟别人的后期,而是要知道如何去做自己的后期。


我写后期答案并不是去反向破译原作者怎么调的,实际上,这也是不可能做到的。因为:


1、我现在随便拉条曲线,调一下可选颜色,非常轻松,但你要把我刚才做的参数反向破解出来,一个数不差,难于上青天。


2、一个后期效果其实有多种路径可以达到,谁能保证和原作者的思路完全一样呢?但你总不能说别的路径就错了吧。


3、有的效果是可以直接拍出来的,但同时也能通过后期调出来,我无法得知这是拍出来的还是后期出来的。


所以说,你看完这个答案,不要去纠结原作者是怎么调色偏的,他的参数是多少。


而是要明白:如果我以后想给阴影加色偏,该调什么?


我想,这才是看我回答的意义吧。


 最后:


泼辣熊在线修图即将进入大规模内测阶段,想要体验的摄友可以到泼辣熊官网投递邮箱:
泼辣熊(上面演示HSL时使用的软件)


如需了解更多摄影及后期知识,可关注我的微信公众账号:他山之眼
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叶明同学是优设长期的合作伙伴,也给同学们写了不少干货,现在他在创业,特意友情宣传下,非广告,望见谅 :)



探索RAW格式的奥秘

山路弯弯:

我们在使用RAW格式拍摄时应该注意些什么?


相信有不少读者都曾经尝试过使用RAW格式拍摄。JPEG格式是我们手中大部分相机的默认选择,尽管它非常方便,但这意味着我们在不知不觉中丢失了许多图像细节,使用RAW格式拍摄,这些细节都能保留下来。


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 遗憾的是,很多读者在选择RAW格式后不得不面对一些更大的问题。RAW文件非常大,而且不是所有后期处理软件都能直接打开的。相机厂商并不愿意选择相同格式保存相机的原始影像信息,这实在是一件伤脑筋的事情,给我们带来了许多不便。


可一旦我们解决了这些问题,习惯RAW格式的拍摄和处理,就会发现实际情况并不如开始所想象的那么痛苦,而你的摄影水平也会一举进入一个新的层次。我们将从头开始向大家解释使用RAW拍摄的原因与必要性,并一一解答和RAW有关的问题。


 
作为摄影师,RAW格式是拍摄时的唯一选择。


1. RAW格式的特点


在开始拍摄前,先弄明白什么是RAW格式。


什么是RAW格式?


RAW英文译为原料。理解RAW格式,首先需要大致了解数码相机的实际成像过程。我们按下快门后,光线通过镜头照射到相机的感光元件上,感光元件将其转换为形成影像数据的电子信号。简而言之,这些电子信号就是组成RAW文件的主要原料。


区分RAW格式和JPEG格式的关键就是这些电子信号在收集之后的处理过程。RAW文件由感光元件记录的原始电子信号和与相关的基本信息组成,这些内容不经过任何压缩和处理就被直接保存到存储卡上。而JPEG文件在保存到存储卡上之前,感光元件记录的原始电子信号已经根据我们选择的白平衡、图片风格等设置由相机内部的处理器进行了相应的处理。处理结果被转换为JPEG格式,然后写入存储卡。换句话说,无论使用哪一种格式拍摄相机都需要采集原始图片数据,而我们决定是将这些原始数据交给相机处理为JPEG格式提供给我们,还是保存为RAW格式由我们自行处理。


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16位图像包含的影调信息更加丰富,进行相同处理操作得到的结果画质更好。


所有RAW文件都是一样的吗?


不是,围绕RAW格式的大多数困惑正出于这个问题。和JPEG格式不同的是,RAW格式并没有一个统一的标准。各大厂各行其是,使用的RAW文件格式各不相同,甚至同一厂商不同型号相机之间使用的标准也不一样。举例来说,尽管佳能数码单反现在的RAW文件后缀均为.CR2,但EOS 1100D和EOS 7D拍摄的RAW文件之间还是存在一些小小的差异。


相同相机使用的RAW文件格式并不会发生变化,所以如果你找到一款趁手的转换软件,就不会给你的工作带来影响。但是如果我们需要处理来自多台不同型号的相机文件或在没有更新对应软件版本的情况下换用了一台新的相机,就能体会到这种差异带来的不便之处了,你将无法转换照片格式。


DNG格式是这种混乱局面中的唯一例外,这是一种由Adobe开发的公开文件格式,可供任意数码相机制造商选用。但所有主流数码单反相机制造商中,只有宾得在自己的相机中提供了这种格式。不过即便我们选择了其他厂家的相机,DNG格式依旧能给我们带来便捷。将相机自有的RAW格式通过Adobe提供的转换工具转换为DNG格式之后,我们就能使用版本较老的Photoshop中提供的Adobe Camera Raw打开新款数码相机拍摄的RAW文件了。


为什么我只能通过专用软件预览我电脑上存储的RAW文件?


RAW文件是一个数据包文件,而非图像文件。我们的电脑并不知道应该如何解读这种数据包,和JPEG等标准格式不同的是,RAW文件并不包含供电脑解码所需的信息。我想下面这个比方也许能帮助大家理解这个问题:JPEG格式就好比字词句段划分清晰、标点格式标注整齐的文章;而RAW格式中虽然也包含同样一篇文章,但其中的所有文字均被打散为基本笔画,无序组合在一起。因此我们完全没有办法浏览。


RAW格式是一种非压缩格式吗?


有一部分是。为了缩小图像文件大小,人们设计了种种复杂的压缩算法。这些算法之间存在一个非常重要的差异,那就是有损与无损。


顾名思义,有损压缩表示在压缩处理过程中,部分图像数据将会被丢弃。但是抛弃这些信息后,能得到比无损压缩小得多的文件。有些RAW格式,例如尼康公司的.NEF格式就能通过这种形式进行保存,从而可以得到占据空间更小的文件。但这样做会造成画质的下降,在天空等影调过渡较为平滑的部分表现得尤为明显。


所有JPEG文件均使用有损压缩算法。JPEG文件在保存时会提供一个画质设置供我们选择,我们选择的画质越低,丢弃的图像数据越多,得到的图像文件也就越小。反之,画质较高的JPEG文件和画质较低的相比文件尺寸也更大一些。如果我们对于得到的图像文件只执行一次保存操作,那么保存过程造成的画质下降是几乎无法察觉的。但随着保存次数的增加,丢失的图像数据会变得越来越多,因此整体画质下降就变得越厉害。无损压缩格式包含原始文件中的所有数据,但得到的文件大小也会占据更多的储存空间。大多数RAW格式为了保证图像信息不在反复保存的过程中丢失,均使用这种方式进行压缩,因此画质也就更高。


这两种压缩模式是厂家设置的,我们无法在相机中进行选择,但是无论如何,RAW格式文件所包含的信息都比JPEG文件丰富得多。


RAW文件的8位、12位、14位、16位等有什么区别?


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我们拍摄的每张照片均由从黑到白之间的不同影调组成,而“位”则表示黑白之间影调范围的多少。位越大,黑白之间的影调就越丰富。所有的JPEG格式文件都是8位图像文件,因此在黑白之间只包含256级影调变化。而RAW格式文件大多为12位或14位,在黑白之间至少包含4096级影调变化。普遍观点认为,想表达柔和、自然的画面至少需要250级左右的影调,所以包含256级影调变化的8位图像文件能满足大多数情况下的需要。


但是当我们在Photoshop中使用色阶或曲线命令对照片进行调整时,问题就出现了。这类命令会压缩或扩展照片的影调范围,导致图像直方图中间出现断裂,就像上一页所展示的那样。此时画面中就会出现色带、色块等的瑕疵。在天空等影调过渡平滑的区域这种现象尤为明显。RAW文件从一开始就为我们提供了更加丰富的影调,即便进行更加极端的操作也不会出现上述的类似问题。这在修复曝光不准的照片时也尤为明显,即便是大幅度调节曝光,照片上也能保留细腻的纹理。


Photoshop不能直接编辑12位或14位文件,大多数RAW编辑或转换软件在将RAW输出为其他通用图像格式时均提供了8位和16位两种选择。


2. RAW格式的转换


这个过程虽然简短,但能为你带来极大的便利。


我应该使用什么软件打开和编辑我的RAW文件?


可供选择的RAW转换软件数不胜数,哪个最合适取决于你的拍片数量、作品内容和后期处理的程度。


绝大部分数码相机为用户提供了专供该相机使用的RAW转换软件,我们能以此作为学习RAW处理的起点。不过这类软件大多存在效率低下、技术过时、功能有限的缺点。


如果需要对RAW文件进行高光、阴影还原等更为专业的调整,那么就应该选择Adobe Camera Raw(ACR)这样的专业处理软件。ACR是Photoshop CS系列中的一款集成转换软件,提供了非常丰富的调整选项,使用得当甚至能取代Photoshop的地位,你可以在ACR中完成大部分照片处理工作。


目前最新的ACR 6.x提供的污点去除工具和Photoshop中的修复画笔工具类似,能用来移除画面中的感光器污渍等瑕疵;而HSL/灰度中的黑白照片转换功能,比Photoshop中黑白转换功能还要强大。虽然其他版本较老的ACR并不如新版那么强大,但凭借其功能和易用性依旧是一款适合大多数摄影爱好者使用的RAW转换软件。


如果你经常需要处理大批量的RAW图像文件,那么也可以考虑Adobe Photoshop Lightroom、Apple Aperture或Capture One Express/Pro 6等专业RAW处理软件。和Adobe Camera Raw及相机制造商出品的原厂软件相比,这类软件在强大与丰富的功能之外,还提供了更为灵活易用的工作流程。如果你已经习惯了Photoshop的界面与功能,那么Lightroom无疑是三者之中最容易上手的一款软件,基本上它就是工作流程改进之后的Adobe Camera Raw。


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Adobe DNG Converter是一款非常实用的软件,版本较老的ACR用户也能在其帮助下打开新型数码相机拍摄的RAW文件。


我在Photoshop里面打不开相机生成的RAW文件,应该怎么办?


这是个常见问题,相机厂商在生产新款相机的同时也会改进自己的RAW文件算法,所以造成了与软件之间的不兼容。此时我们可以使用随机软件打开这些文件,但同时这也意味着我们必须掌握一门新的软件使用方法,不过考虑到前面所说的随机软件功能大多无法和Adobe Camera Raw相提并论,这就实在让人心不甘情不愿。


升级Adobe Camera Raw也是一种可选的解决方案,但是存在局限性。支持新款相机的最新版ACR只能与同一时期最新版本的Photoshop相互兼容。换句话说,如果你希望将自己的Adobe Camera Raw版本升级至写作此文之时最新的6.6版,那么就必须拥有Photoshop CS5。


考虑到不是所有人都有实力跟得上Adobe公司的升级步伐,那么还剩下一个办法就是下载最新版的DNG Converter软件,将相机拍摄的RAW文件转换为开放RAW格式.DNG。


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从Photoshop CS3起,ACR就提供了完整的黑白转换选项。




3. RAW格式的使用


了解理论基础后,再来看看RAW能为我们做什么。


除了优势,使用RAW格式拍摄有哪些优缺点呢?


使用RAW格式拍照的理由有很多,但是和RAW格式相比,使用JPEG格式也不是完全没有好处。


RAW画质更高,同时提供了更加丰富的后期空间。相机的大多数图像设置,例如白平衡、锐度、饱和度等,都不会直接应用于RAW文件,我们能在电脑上对这些参数进行更加精细的调整。和JPEG文件相比,RAW文件包含的图像信息更多,影调更加丰富。换句话说,RAW文件中的影调过渡更加平滑,即便进行大幅度调整也不容易出现色彩破裂或像素化等瑕疵。这一点对于影调或色彩相近的画面尤其重要。这样的优势并非没有代价,RAW文件的尺寸通常是高画质JPEG文件的三到五倍,所以在相同大小的存储卡上能保存的文件数量更少。


和JPEG文件不同,RAW文件的浏览与输出非常麻烦,必须借助专用转换软件进行。换句话说,在分享或输出拍摄成果之前,我们首先需要将其转换为通用文件格式。这时我们就要面对RAW文件另一个最让人讨厌的问题:我们需要花费更多时间对作品进行调整,而Adobe Camera Raw等软件中层出不穷的设置选项更是给这个冗长的过程雪上加霜。


和JEPG文件相比,RAW文件最大的优点是什么?


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RAW文件中包含的额外高光与暗部信息能完美重现落日等高反差场景中的所有细节。


RAW文件最大的优点在于它保存了更加丰富的高光和暗调细节,并且提供了更好的白平衡控制。和JPEG文件相比,RAW格式包含更多的额外信息,所以在记录反差较高的场景时更加游刃有余。


尽管使用JPEG格式拍摄的照片同样能通过后期处理手段还原暗部细节,但是会造成明显的噪点。使用RAW文件在还原暗部细节的同时依旧能保持相对较高的画质。与之类似,使用Photoshop中提供的高光/阴影工具,我们也能从JPEG文件的高光中还原有限的细节,如果我们使用RAW格式拍摄则能还原更多细节。总而言之,文件中包含的原始信息越多,那么通过RAW转换软件能还原出来的内容也就越丰富。


使用RAW格式,我们还能在拍摄之后任意改变照片的白平衡设置。尽管对于JPEG图像来说我们也可以通过色彩平衡功能左右照片的颜色,但是和RAW在Adobe Camera Raw中的调整结果相比实在是小儿科,而且处理过程还会破坏文件原有的图像信息。


所有专业摄影师均使用RAW格式拍摄,是这样吗?


不完全是。虽说大部分专业摄影师确实使用RAW格式拍摄,但也有不少例外。有些摄影师认为JPEG格式提供的速度与便利相对RAW格式提供的画质而言更加重要。对于体育摄影师和某些新闻摄影师来说就是这样,因为他们需要在极短时间内完成照片的拍摄、编辑和上传。


既然如此,那我如何将我的相机设置为RAW拍摄模式?


大部分相机默认都是用JPEG格式拍摄,所以我们必须自己动手将其设置为RAW拍摄模式,如何操作取决于相机的型号。绝大多数数码单反相机和微系统相机都能通过画质等菜单设置照片的存储格式,具体位置详见相机说明书。近年来发售的某些相机提供了专门设置拍摄格式的按钮。设置拍摄格式后,就可以按照平常的习惯正常拍摄了。部分佳能数码单反相机——EOS 60D之后的型号——提供了RAW、MRAW和SRAW三种RAW存储选项,对应不同的照片分辨率大小。RAW是全分辨率格式,以EOS 7D为例,它得到的文件为1800万像素。设置为MRAW时文件为1000万像素,设置为SRAW时文件则为450万像素。如果我们拍摄的照片无需进行放大等对分辨率要求较高的操作而同时又希望具备RAW格式的优点,就可以使用分辨率较低的RAW格式拍摄节约存储卡空间。尼康D7000之后的数码相机同样提供了丰富的RAW格式设置,允许我们调整图像的压缩比例和位深等。记住我们之前说过的,位深越高,文件尺寸越大。


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上图 RAW格式一般通过菜单中的画质选项设置,也有相机提供了专门的设置按钮。


使用RAW格式拍摄时,我可以忽略相机上的哪些参数设置?又应该注意哪些?


使用RAW格式拍摄,我们可以在电脑上调整图像的很多参数,这一点在前面已经反复提到。但是这并不意味着我们就应该在拍摄时忽略这些参数,尤其是曝光。即便是RAW文件,所能记录的影调信息依旧是有限的,所以我们在曝光时应尽量做到准确无误。


白平衡设置也应该同样准确,这样做有二个原因。首先,使用正确的白平衡设置能节约后期处理时间,大多数RAW转换软件都将照片的机内白平衡设置当做处理时的默认值;其次,我们选择的白平衡设置会影响照片的影调范围,进而影响曝光。锐化、降噪和色彩空间等其他设置都只不过以标签的方式与RAW图像信息存储在一起,并不会对文件内容直接造成影响。如果我们使用相机制造商提供的RAW处理软件打开拍摄的照片文件,那么这些设置会作为默认值载入,但是我们也可以根据需要改变其设置。


此时还要注意长时间曝光降噪功能。无论使用RAW格式还是JPEG格式,它的作用都很明显。该功能是在长时间曝光后,再拍摄一帧全黑画面,以此为参考降低长时间曝光造成的噪点。




4. RAW文件的保存与高级技巧


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在工作流程选项面板中可以将文件颜色位深设置为8位或16位。


保存图像时提供的不同文件格式,如JEPG、TIFF等有什么区别?8位、16位等不同色彩深度又有什么区别?哪种格式最适合用来保存RAW文件的调整结果呢?


选择哪种格式,取决于照片的最终用途。TIFF文件能反复保存,无需担心画质问题,而JPEG格式每次保存都会造成一定程度的文件信息丢失,造成画质降低。如果我们在RAW转换时已经完成了所有需要的操作,导出文件纯作为浏览、输出或交流使用,那么使用JPEG格式就可以了。但如果我们还要继续在Photoshop主界面中对照片进行更加复杂的调整,那么只有使用TIFF格式保存文件才能保证画质不会下降。


保存TIFF文件的时候,我们需要选择8位或16位色彩位深。前面已经提到,16位文件包含的影调信息更多,但是这种格式并不能完美兼容大多数软件中的所有调整命令。Photoshop CS5能充分利用这些额外的影调信息,但如果你使用的是Photoshop CS系列的早期版本,那么8位TIFF文件才是最稳妥的选择,这样才能使用软件提供的所有调整命令与滤镜。


把RAW文件转为JPEG格式保存和直接使用JPEG格式拍摄不是一样的吗?我不明白为何要多此一举。


如果你仅仅只是在Adobe Camera Raw中打开RAW文件应用默认调整设置直接另存为JPEG文件,那确实和相机直出的JPEG文件看不出什么区别。但这么做就丧失了使用RAW格式的意义。我们使用RAW格式拍摄,目的是为了能针对照片的不同特点进行更加精致的分别调整。而即便使用默认设置,在某些极端光线环境下使用RAW文件转换得到的JPEG文件在噪点表现、高光与暗部细节等方面也胜过相机直出的JPEG文件。


我发现每张RAW文件经过ACR调整后,文件夹中都会出现一个后缀为.xmp的同名文件?这是怎么一回事?


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使用ACR调整图像后,你会在RAW文件所在的文件夹中发现一个与其同名的.xmp文件。


除了DNG文件以外,ACR不会修改任何RAW文件包含的原始信息,所以必须想个新办法保存对文件进行的调整设置操作,于是就有了文件夹中出现的.xmp同名文件。在我们点击ACR中的存储图像、打开图像或完成等按钮时,就会自动在文件夹中生这一附属文件。下次打开调整后的RAW文件时,ACR会自动读取其中保存的操作设置信息。对于它们,我们唯一需要注意的就是在移动、复制、备份RAW文件,或希望在其他计算机上继续上次的调整操作时需要将其一并移动、复制或备份。否则我们下次在ACR或Photoshop Lightroom中打开这些文件的时候,它们将停留在未被编辑时的原始状态,不要把它当成病毒删除。


如果我们希望保存所做的调整信息,那么在移动或复制文件时一定要留心同名的附属文件,或者把整个文件夹“一锅端”。不过最稳妥的办法还是在Adobe Bridge中完成文件的复制或移动操作,程序会自动复制或移动同名的附属文件。和RAW文件面临的窘境一样,不同软件厂商保存RAW文件调整设置信息的方法也各不相同,所以这种.xmp文件只能被Adobe公司的RAW调整软件识别。


前面一直在说的“非破坏性调整”究竟是什么意思?


当我们将编辑之后的文件保存为JPEG格式或不包含图层的TIFF格式时,文件会被重写。关闭文件后,所有原始数据都会丢失。而在我们编辑RAW文件时,所有设置都会以附属文件的方式保存,原始文件信息并不会受到影响。事实上非破坏性调整实现的方法有很多,除了由软件生成记录之前操作的附属文件之外,也可以直接将设置保存在文件内部。


Adobe Camera Raw这个软件不仅可以对RAW文件进行非破坏性调整之外,也能以同样的方法对JPEG或TIFF等格式文件进行非破坏性调整,将调整设置保存在同名的附属文件中,我们可以随时回过头来重新进行调整。当然,如果我们使用其他软件对JPEG或TIFF格式的原始文档进行编辑并覆盖之后,那么我们的设置文件也就失去了意义,所以最好使用相同软件调整一张照片。


【本文由《影像视觉》杂志授权发表。】

学会使用点测光

山路弯弯:

    说起来运用点测光还真需要一些技术含量的,本期总结一些影友们提出的问题并详细解答,摄影中常用的点测光技巧和作者心得分享给大家,用实例告诉您到底怎么用点测光。




[摄影技术] 拍摄实战教程 教你学会使用点测光 - 燚摄影 - 燚摄影


 


[摄影技术] 拍摄实战教程 教你学会使用点测光 - 燚摄影 - 燚摄影


        拍摄人物或是风光片的时候,不少人会问:怎么回事?拍的人物就是没有别人拍的那种质感?人物的金色头发是怎样形成的?拍的风光片也没有他人拍的那种透视效果?
       拍人物的时候尽可能选择使人物处于背着光源的状态。这样的光照有如下几个好处:
       1、被摄人因为背着光源,眼睛和表情可以放松自如(被摄人面朝着光源的的时候会睁不开眼镜而使面部表情发紧,眯着眼等等)
       2、如果我们拍摄逆光女孩,这种方式还可以拍出特定的效果,如:金色轮廓的头发,明亮的眼神等,注意要点就是使用点测光要根据人的面部来确定曝光量,这时候的曝光量是根据面部的光照确定的,所以背景和人物的头发就会出现过曝,而这种过曝就是金色的头发的起因。
       3、严格意义上说:点测光适合于任何场景,例如舞台摄影、体育摄影、风光片(这些场景的点测光要根据被摄物的主题来选定),目的就是只要能把手中的器材发挥好了就是,也大可不必去烧器材。


[摄影技术] 拍摄实战教程 教你学会使用点测光 - 燚摄影 - 燚摄影


 
       什么是点测光?


       点测光,顾名思义就是对一个点测光。与我们常说的“点”不同的是,点测光的“点”一般指的是取景范围1%-5%的区域。对这个区域测光,从而让这个区域在拍出的照片里呈现0EV的影调,也就是18%灰。一般常用于摄影师需要极力保证某区域曝光的时候。


[摄影技术] 拍摄实战教程 教你学会使用点测光 - 燚摄影 - 燚摄影


 


[摄影技术] 拍摄实战教程 教你学会使用点测光 - 燚摄影 - 燚摄影


       点测光的目标区域


       即测光点仅为画面整体面积的1.5%到3%(具体比例因相机而异),测光点位置在默认情况下位于画面正中央。有些相机也可以将测光点自动设为当前处于激活状态的自动对焦点,这在拍摄主体偏离画面中心的时候,就变得非常实用了。


[摄影技术] 拍摄实战教程 教你学会使用点测光 - 燚摄影 - 燚摄影


 


[摄影技术] 拍摄实战教程 教你学会使用点测光 - 燚摄影 - 燚摄影


 


       如何使用点测光,确保你的拍摄对象得到正确曝光 

       1. 选择点测光模式
       在大多数相机上,都会有一个测光模式选择器,一般位于机身顶部,通过按动按钮或者旋转拨盘来选择测光模式,点测光的标志是一个圆点。
       2. 如何使用
       假设测光点就是中央对焦点。将这一对焦点对准拍摄主体,半按快门合焦后,完全按下快门即可完成拍摄。如果测光点所在位置不是中间调,要适当应用曝光补偿。
       3. 主体不在画面中央
       当拍摄主体不在画面中央,以上述方式进行测光,在显示合焦后,按下自动曝光锁定按钮(AE-L),锁定曝光设置,然后改变构图,完成拍摄。


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拍摄风光,掌握点测光覆盖面积精准测光


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       测光点所覆盖的面积是非常小的,所以测光结果非常精准,从而让你能够对特定的位置进行准确的曝光。不过,它仍然会产生问题。相机的测光系统会将测光点所在的区域按照中间调来进行曝光,所以,如果这一实际区域很暗,而点测光系统仍然将其判定为中间调,那么被摄对象就会太亮甚至过曝。相反地,如果测光点所在的实际区域是很明亮的,那么使用点测光的拍摄结果就会欠曝。因此,我们需要根据实际情况进行相应地调整,适当地应用曝光补偿。


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       个人感受是测光方式要看具体的环境,以及要表现的主题,在光比反差非常大的情况下点测光相对较准,可以保证需要的主题部分测光准确。在拍摄川西高原需要经常表现天空和云层的丰富细节,经常是点测光对天空的中间部位云层进行点测光。



       拍摄人像,掌握点测光模式精准的测光
       在测光模式方面,你的相机提供了多个选择。其中包括了中央重点测光、平均测光、局部测光、多区测光以及点测光等。而点测光模式,让你根据现场环境,能够针对所选择的拍摄对象上很小的局部区域进行精确、独立的测光。在光线不均匀的条件下(背景与主体人物之间的亮度差异非常大的情况点测光有着非常大的优势)。在白纱以及海水、沙滩的情况下,你可以使用点测光模式仅仅对拍摄人物主体进行测光。


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       拍摄心得:说实话除了拍摄这组海滩新娘人像我会根据场景选择点测光外,平时也没有太多注意用那种测光方式,也没用曝光锁。因为最早的时候学的是胶片机,所以习惯判断参数,现在用数码就更方便了,我们能够很准确的控制曝光。拍摄这组片那天刚好是多云,偶尔露点阳光拍些小逆光很漂亮,整体有减曝光,测光的话不容易达到理想效果,虽然我的片子也很少用后期,但这组原片灰了些,所以后期稍加处理,调色阶、曲线亮起来对画面就有很好调节作用。



       拍摄花卉,根据背景设定点测光


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       在反差强烈的复杂光线条件下,点测光模式能帮助你有针对性地准确曝光。在拍摄花卉或者微距生态作品时,根据画面场景,我们对花朵中央进行测光,排除了深色背景对于测光系统的不利影响。“有些相机也可以将测光点自动设为当前处于激活状态的自动对焦点,这在拍摄主体偏离画面中心的时候,就变得非常实用了。”


[摄影技术] 拍摄实战教程 教你学会使用点测光 - 燚摄影 - 燚摄影


       采光的角度上来分析,通常把自然光的采光角度划分为五种。即正面光、侧光、逆光、顶光和散射光。比较适合拍摄花卉的是散射光和逆光。运用散射光拍摄,是因为它运用灵活,不受光源的方向性局限,受光面均匀,影调柔和,反差适中。如果选择雨后的散光拍摄会使花卉显得楚清新,光彩诱人。对于有点测光的机器来说,只要将测光点放在拍摄主体上基本就可得到正确的曝光。


转自网络

云海拍摄教程

山路弯弯:

 


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    云海是拍摄山岳的一个重要景观之一,想拍摄到壮观的云海不仅要有摄影技巧,还需要了解云海的形成,下面就来介绍几个小窍门,让你随时备战云海。


 


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【针对云海选定焦段】
    我们在高山上拍摄时,根据不同的山脉特征会有远近不一的观景台,而且云海是在山间流动的,范围大时可能就在你的脚下,范围小的时候就要越过几个山头去捕捉飘渺的云海了。所以建议大家根据所拍摄的云海状态进行镜头的挑选,例如云海面积大且距离近时,可以使用广角收纳壮观的画面;又如云海比较稀疏时,可以拿出你的长焦镜头对焦远处,并起到压缩空间的作用,山峦间云雾飘荡,形成层次丰富的高山景观;另外云海就在脚下时,我们可以对局部对焦体现出云海厚重如瀑布般的效果。


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【渐变滤镜让画面更有层次】
    拍摄风光大片不可缺少的就是灰度渐变滤镜,拍摄云海也是一样的,当我以平均测光拍摄时,天空的层次可能会不足,这个时候我们可以使用一片灰度渐变镜挡在镜头前面,来压暗天空的部分,从而使天空和云海的层次都变得更明确。


 


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【灵活运用白平衡】
    在各种时段拍摄云海与远山,可尝试使用不同的白平衡。比如,你想使日落时的氛围更“暖”,可将白平衡调到“阴影模式”,白平衡能为你打造不同感觉的画面,还可以使用自定义白平衡,让画面更自然。


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【白加黑减拍云海】
    白天当白色的云层占据取景器中的五分之四以上画面时,要牢记“白加黑减”的法则,可适当增加曝光度,以使云彩更白;如想云层中透出的“光线 ”、“光柱”显得更强烈,还可减少曝光量。


 


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【掌握时机,准确“捕获”飘渺云海】
    云海的形成是需要一定条件的,所以准备拍摄云海之前要考虑这些条件是否具备,从而准确地捕捉到云海,首先云海的形成要有一定湿度,一般来说,雨后和雪后会有更多机会形成,而周围有湖泊、河流等景观的地方,附近也容易产生云海,还有就是气温和风速,气温在10摄氏度左右形成云海的几率较大,至于风速,就是风力很低的情况下水雾不会散去,有利于形成云海。综上所述,大家登山拍摄时就可以分析一下,才不会错过精彩的云海景观。


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    上面所说的是能让大家通过自己的判断来准确地掌握云海的形成,而如果是专门去拍摄云海,就可以通过询问当地旅游局或者客栈来准确“捕获”到壮观的云海。


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正确认识锐度 获得清晰照片必修课

山路弯弯:

何为锐度?
        锐度有时也叫“清晰度”,它是反映图像平面清晰度和图像边缘锐利程度的一个指标。如果将锐度调高,图像平面上的细节对比度也更高,看起来更清楚。


比如,在高锐度的情况下,不但画面上人脸的皱纹、斑点更清楚,而且脸部肌肉的鼓起或凹下也可表现得栩栩如生。

        在另一种情况下,即垂直方向的深色或黑色线条,或黑白图像突变的地方,在较高锐度的情况下,线条或黑白图像突变的交接处,其边缘更加锐利,整体画面显得更加清楚。

提高锐度,实际上也就是提高了清晰度,这是人们需要的、好的一面。但是,并不是将锐度调得越高越好。如果将锐度调得过高,则会在黑线两边出现白色线条的镶边,图像看起来失真而且刺眼。这种情况如果出现在块面图像上,图像就会显得严重失真,不堪入目。比如,这种情况出现在不大的人脸图像上,就会不但在人脸的边缘出现白色镶边,而且在发际、眉毛、眼眶、鼻子、嘴唇这些黑色和阴影部位边上出现白色镶边,看起来很不顺眼。


可见,锐度太高虽然提高了清晰度,但又会使图形走样,同样不是一件好事。所以,为了获得相对清晰而又真实的图像,锐度应当调得合适。


那么有哪些因素会影响到照片的锐度呢?


镜头因素——定焦与变焦对锐度的影响


定焦镜头的锐度比变焦镜头高(一般来说) 顾名思义。天下没有免费的午餐!如果你追求绝对锐度,那就别买变焦镜头。不过,如果你需要摄影灵活性,请一定买变焦镜头。


为什么定焦镜头锐度更高?因为要变焦,所以变焦镜头的镜片数目比定焦的多。这样一来变焦头就更难设计,更容易发生光学色差,镜片数目多也会减低对比度并增加光斑。定焦镜头通常比变焦的光圈大。衍射定律告诉我们——在同样情况下,大光圈镜头比小光圈的锐度高。


    怎样充分挖掘一支镜头的潜力?建议如下:


使用结实的三角架:自然和野生动物摄影95%都会使用三角架。严格的说只有一种情况会手持相机拍摄——那就是街头纪实摄影。手持相机常常会导致劣质图象,特别是风景和自然摄影时。


使用反光板锁定和快门线:震动,任何震动都是锐度的死敌。不要在慢速快门和大光圈时手持相机,然后再去担心镜头的锐度。


图象稳定器:不管是佳能的IS还是尼康的VR,都是近25年来镜头设计上最伟大的发明。它们确实有用,当使用长焦镜头来进行严肃的摄影创作时,即使是使用三角架,佳能“L”系列IS镜头的图象稳定器的作用也珍贵如金,这也就是为什么它们都那么贵。


用镜头的最佳光圈:一个镜头的最佳锐度通常不在最大光圈或者最小光圈处。只有那些最昂贵的镜头在最大光圈时才会和光圈小两档时的光学表现一样好。由于衍射作用,没有一个镜头的最佳锐度是在光圈F22或者F32。绝大多数镜头的最佳锐度在最大光圈小两到三档处。

        保证照片锐度的条件——使用三脚架

很多情况下,照片图像模糊、不清晰的原因,是拍摄者在按动快门时产生“手振”或 “机振”所造成的。如果使用了三脚架,无论快门速度设定到如何的“慢”,甚至长时间的曝光,都可以减少由于“抖动”而产生的图像模糊。但要注意,使用三脚架时,要尽可能地使用快门线,因为仍有可能在手指接触快门时产生的震动而影响清晰度,如果没有快门线的话可以使用相机的延时拍摄功能,这样可能会更加方便些。


保证照片锐度的条件——尽可能使用高速快门


现在好的机器及镜头都有防止抖动的功能,但是在手持拍摄的情况下,尽可能采用高速快门来拍摄。没有经验的拍摄者,快门速度设定在1/30s以下时,照片拍虚的概率较大。即使专业摄影工作者,也不能保证在低速快门拍摄时有百分之百的把握。


提高快门速度会相应提高照片清晰度的概率。对于长焦,建议把快门速度控制在(1/焦距)以外,当然,为了保证照片的亮度,在手持照相机提高快门速度的情况下,势必开大光圈,因而会失去“大景深”,但为保证照片的清晰度,有时候适当放弃景深是不得已的办法,或者可以综合考虑,通过适当提高些ISO值来提高照片的亮度。


保证照片锐度的条件——最佳光圈


任何镜头都存在不同程度的成像误差,这些成像误差将使镜头的成像质量受到不同程度的影响。由于镜头球面的曲率不同,光线经过透镜中心和边缘时因折射率不同而不能聚焦于同一焦点,从而导致清晰度下降。


如使用镜头的最大光圈拍摄,将导致该镜头像差缺陷的最大暴露,导致图像清晰度下降,而使用镜头的最小光圈拍摄,会产生光的衍射,也会导致图像清晰度下降。为改善像差而引起的清晰度下降问题,通常采用缩小光圈的办法来提高成像的质量。


保证照片锐度的条件——合理对焦


目前大多数相机具有自动对焦功能。然而,在景深特别小的情况下,自动对焦往往会聚焦不准确,特别是在向主体近距离对焦,使用长焦距镜头,采用大光圈拍摄人像特写的情况下,要特别小心。如果此时采用自动对焦,非要对在人物的眼睛上,如果没有十分的把握,宁可放弃自动对焦,而采用手动对焦,可以通过半按快门来测试是否合焦,而且提醒大家“下手要快,动作要稳” !现在有些镜头在自动对焦的基础上仍然可以手动对焦,请大家合理使用。


保证照片锐度的条件——使用遮光罩


遮光罩的使用,很多人并不在意。在用正面光、前侧光或侧光时,遮光罩的作用并不明显。但是在逆光或侧逆光拍摄时,必须使用遮光罩,有时即便使用了遮光罩,阳光仍会直射到镜头上,造成画面“冲光”,产生雾翳,影响被摄体的色彩饱和度和清晰度。这时,应调整镜头角度,避开直射到镜头上的光线。此外,遮光罩还有助于防止镜头镜面损伤,同时避免手指接触到镜面。


保证照片锐度的条件——合理利用景深


景深的大小是根据拍摄者拍摄的目的来决定。如果是拍摄风光摄影,景深就要求大,目的是为让照片上景物的清晰范围从近至远都表现得很清楚。如果是拍摄特写,景深就要求小,目的是让照片上主体的背景虚化,突出被摄主体。


如何合理运用景深呢?要记住:采用小光圈、短焦距镜头、远距离对焦拍摄三种方法,景深就大。采用大光圈、长焦距镜头、近距离对焦拍摄三种方法,景深就小。当然影响景深深浅的因素很多,采用其中一种或两种拍摄方法也行,但效果综合起来使用作用更明显。


保证照片锐度的条件——选用低感光度


要获得影像的高清晰度,让照片看起来具有丰富的质感,除选择使用高像素的数码照相机和大画幅的传统相机外,还有个简便的办法,即选择低感光度拍摄。


传统感光材料和数码影像电子传感元件有个特性:即ISO感光度设定得越低,胶片的颗粒度就越细,照片的清晰度就相对高。ISO感光度设定得越高,胶片的颗粒度就越大,照片清晰度就相对较低。目前,胶片的感光度在ISO25——1600范围可供选择;数码相机的ISO感光度,根椐厂家对低端、中端、高端相机的不同要求,设计在ISO50——3200不同的范围。了解了传统感光材料和数码影像传感元件的这一特性,在拍照的时候,将ISO感光度设定为低值,照片的清晰度会得到明显的改善。


保证照片锐度的条件——正确曝光


现在大家最常用的是默认的测光方式---中央平均测光。曝光过度或曝光不足,都会导致影像清晰度下降和影像色彩偏移。要准确曝光,必须掌握正确测光的方式。


采用反射式平均测光时,有时按测光数据将导致曝光不准确。举个例子:你想表现冬季的白雪,如用反射式测光,拍摄结果,白雪却不是原本的白色,而是呈现为浅灰的色调,经验告诉我们,在这种情况下,就需要在测光提供的“准确”数据上再增加一些曝光,以便使雪呈现“正确”的白色。相反,你想表现黑色的煤炭,结果,煤炭呈中灰色,这时,就要在测光的基础上再减少一些曝光量,以便使煤炭看上去更接近本色。


另外,在逆光拍摄人像时,采用反射式平均测光,人物的面部往往曝光不足。这时候用“点测光”功能去测被摄体的反射光,曝光的准确性是毋庸置疑的。

【教程】摄影构图教程 I:地平线在构图中的应用

Terry F - LOK'TAR:

16/05/2015,第一次修订


拍照首先要学会使用器材,然后大概就是构图了吧。

我很清楚的记得,我第一次约片的时候,有个妹子来找我,然后看了我的图以后就果断放鸽子了...丢了一句话说我构图不行...(这故事我讲了蛮多次了,毕竟是我摄影经历中很难忘的一件事)

然而拍了这么久,写这个构图教程也是早就在策划之中,然而真正动笔了以后才发现,比起灯光,后期这一类的看似高端的技能,构图才是最难讲清楚的。以至于几千字的文章写了两个月,期间不停的修修改改,查了不少资料,好歹是把教程给磨出来了...


百度上能查到的大多数构图教程,大多泛泛而谈,其实构图里面所包含的道理远不是几个教程就能讲清楚...所以这里只对构图中的一个比较重要的要点进行详细分析...


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这里在开始聊构图之前先奉上之前的三部教程

微博:http://weibo.com/u/1575333582(恩...我好歹是决定打理一下微博了)
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灯光和自然光的运用:http://terryfengphotography.lofter.com/post/31a2a9_3a7be22
人像后期思路:http://terryfengphotography.lofter.com/post/31a2a9_54b11ce
人像后期详细流程(第三次修订):http://terryfengphotography.lofter.com/post/31a2a9_638547a




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构图和色彩这些东西,其实内行外行都有发言权的...因为不排除很多外行具有很高的审美水准(对号入座请慎重)。大多数人看构图,都是根据自己的经验做出评价...如果把大多数人的有积极意义的经验总结到一起的话,我们就有了理论...就好比语言本来没有语法这个东西...把大家说话的习惯总结起来,我们就有语法了...有了语法之后我们就可以根据语法来找语病了。




作为一个摄影,如果你只有自己的经验和观念,如果你一直满足于自己的小世界里的话,那么你的摄影水平也无法突破自己意识和经验的局限。不思进取就是成为老法师的第一步了。

那么有可能你的作品就是
这样的





这样的





和这样的





然后你还觉得构图蛮吊的...


 


我见过很多不论是网上还是身边拍的不错的人总喜欢把这句话挂在嘴边"我就是凭感觉拍照". 我想凭感觉拍照不一定是坏事,但如果你的感觉并不一定靠谱而你自己不知道呢? 所以不要轻易把自己当成艺术家,真正完全靠天赋的艺术家并不存在. 


 


这就是为什么我要来唠叨构图理论的原因.


 而这里,我打算详细的分析一下构图中最基本也是最经常被忽视的一点:


 


【摄影构图中的地平线】


 


这里主要分五点讲:


1. 什么是地平线(由面组成的)


2. 地平线的功能以及情绪表达


3. 地平线高度与主体的关系


4. 地平线角度与主体的关系


5. 打破地平线的构图




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1. 在说地平线之前我们其实先得明白什么是直线


 


在照片中,直线可以是实际能看到的有厚度的线,比如说桥梁,道路,也可以是两个面之间所形成的概念化的线,甚至可以是图片里两个点之间并不存在,只是你可以通过参照物感知到的线。








这也就意味着,地平线其实大多数情况下是一个概念化的线,它是当你看到在天空和地面(水面)交界的时候因为色差、明度差而主观形成的一个线的概念。


 


有的时候,地平线完全不可见,比如说拍树林的时候,树会打破地平线的构成。但是并不意味着地平线在这张图里不存在了。它实际上依然存在于观众的意识中,这种情况下,地平线是凭借参照物表现的。那么这种情况下,地平线应该改名叫“水平线”更为贴切。



(鼠标划线画歪了请见谅)


那么当你在拍摄构图中,处理地平线的时候,实际上你处理的是天空和地面(水面)这两个面的关系。地平线只是你处理二者关系过程中的一个重要参照物。


 


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2. 地平线的功能以及情绪表达


 


首先,地平线的主要功能是划分图片区域。例如下图,主体是楼房,地平线将天空和水面划分为两个等分,以此呈现真实和倒影的关系。





地平线其实是情绪线(Mood Line)的一种。直线在一张图片中可以表达消极,冷漠,也可以表达积极,勇敢以及力量的情绪。(Rikard)


 


而笔者以为,地平线不同于大多数情绪线,因为不存在方向性,其表达取决于它在图片中的高度和角度以及存在感。这三点在后面几个部分会重点进行阐明。


 


水平的地平线表达的情绪主要是稳定和平静(如上图);图中平稳的地平线实际上给人的是一种归属感,安全感,拍摄建筑的时候,这一点非常重要。如果地平线歪了,那么房子也要倒了。你何时见过房地产开发商的设计图是对角线构图的?


 


下图是一张标准的糖水照。这里地平线(在此是水平线,因为你是依据参照物推断拍摄相片的角度以及地平线的大概位置)的水平处理可以给杂乱的环境稍稍加以章法,让整体氛围贴近妹子本身的情绪表达,就是“安静”的概念。



倘若你要拍糖水,然后将整套图的画面都毫无目的地歪来歪去,那么地平线的表达和主体情绪很有可能是相违背的。也就是说,氛围不对,片子在构图上要扣分。




例如,delta designz上在谈到水平线的时候强调了它的功能可以是表达睡眠,原因是“睡眠中的人往往是和地平线处于平行状态”。睡眠也是一种平稳状态,如下图。




如果笔者将构图转一个角度,那么,你是否还觉得这个姑娘在安稳的梦境里呢?





打破地平线的水平状态可以表达不稳定和动感的情绪(如下图)。


但是这种方法要慎用,这一点在文章的最后一部分会着重提到。





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3. 地平线高度与主体的关系


 


正如前文所述,地平线实际上是一条概念化的线,它并不代表任何一个实物,而代表了天空和地面这两个角度不同的平面在画面中的分量。如果地平线较高,那么天空所占的比重相对较小,地面所占比重较大;反之则天空所占比重较大。


 


天空和地面往往给人的感觉大不相同。绝大多数情况下,


天空亮度大,色彩相对简单清新,往往象征了“幻想”,“自由”等


地面亮度低,色彩相对丰富厚重,图片交代的内容更多,可以给人以“压抑”或者“安全感”。


 


以下图为例,地平线位于图片较低的位置,比例上天空远远大于地面,即使大部分天空被树叶覆盖,也并不会影响整体相对清新的氛围。





而相反,下面这张图,提高地平线高度,压缩天空比例,那么效果与上图就正好相反。能够给人一种压抑的感觉。我再打个比较好懂的比方,你坐在路虎车里,头部空间大,肯定觉得舒服自在,但如果你坐在法拉利里面,被座椅和仪表台紧紧包裹着,是不是直接就进入紧张的飙车状态了呢?(说的好像LZ真的坐过一样...)





当地平线处于正中间的时候,天空和地面比例完全一致,这其实属于比较特殊的表达。因为摄影师在绝大多数情况都会去选择前两种倾向。





你需要充足的理由将地平线放在中间(就像你也需要明白自己为什么要把地平线放在高处或者低处一样)。譬如在后期上图的时候,笔者也考虑过裁剪图片增加天空范围。但是这样一来就破坏了倒影和实体的对称效果。




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4. 地平线角度与主体的关系


 


地平线角度这个问题容易让人走向极端,有的人认为水平的地平线平庸无聊,以至于什么图都要歪着拍;有的人认为拍歪了就是违反自然规律,往往提出“地平线怎么可以歪”的言论。


 


我想先分析下这两个观点的误区。


a) 喜欢不合理歪图乃至对角线构图这种情况往往出现在接触了摄影有一段时间的人身上。往往是盲目地追求“变化”“动感”而导致的。其原因或许是缺乏表现手法,强行用歪图来增加与众不同的元素。还有一种可以称为“习惯性歪图”,倘若你发现自己的片子很喜欢往同一个方向歪,而且角度也相近,那么你得考虑下如何突破当前的瓶颈了。


 


b) 反感歪图的人其实也不在少数。这一部分保守派往往误解了歪图的用意。要知道,即使在日常生活中,很多时候我们的视角也并不水平,所以歪图也是我们看待事物的正常表现。不一定非要什么图片都保持水平,歪图运用得体,也可以达到很好的视觉效果,或者是能够做出某种表达。


 


一个倾斜的画面,其实也就是意味着某种倾向。下面破例借一张海报来说明。




图片出处:http://www.zevendesign.com/creating-depth-art-photography/


 


上图中,并没有明显的地平线,但是可以参照楼房的角度感觉到一条从左上到右下的水平线。将图片这样处理,可以给人以水流从右下方涌进来并很快就会充满整张画面的感觉。


 


另外在画面中,人物与水平线的倾角基本相同,给观众的感觉是人物向后倒。大家应该都能够想象,当人向后倒的时候是最不稳定最没有安全感的时候。向前倒的时候,好歹双手可以撑着不至于毁容,向后倒,及看不见又无法自保。这样的水平线与人物的关系制造的是极大的不稳定的感觉。


 


额外再分析一条线,就是人物的视线。这位男士的视线不是指向画面中的洪水或楼房,亦或是画面中任何一个实际的物体,而是指向空白的天空。前文已经分析,天空给人的是想象空间。那么单独这一条线就足以反映人物对当前环境毫不在意以及和对等待某人的专注心理。


 


因此我们将倾斜的地平线归纳为两个主要功能:


a) 加入不稳定因素


b) 制造动态感觉


 


下图中的情绪基调相对比较压抑,所以打破水平线来制造不稳定感。然而并不推崇过度歪图。情绪性的构图中建议加入多样化的线条来打破单一的水平线,譬如图中人物的视线与水平线产生夹角和交叉。这样多样化的交错的线条也能有助于表达复杂的情绪。



下图强调车辆快速行驶过程中的动感,那么打破水平构图在这张图里面就是这个作用。





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5. 打破地平线的构图


 


一张图如果有着清晰的地平线,那么这条线将会毫不了留情地将画面分为天与地这两个部分。这也是很让人头疼的一件事,尤其是在人像摄影中,倘若把画面的主体(人物)完全置于地面的话,那么天空就成了画面上独立的一块空间,似乎与其它部分分离开了。


 


下图在拍摄的时候,画面包含的一小部分天空,但是这个天空在图片中无非是一块功能性不强,表达不明确的空白区域而已,因此后期处理的时候将天空裁掉,让画面显得相对充实。


(左边同样按比例裁掉相应部分,如黄线所示)





除了裁图,更好的办法是打破地平线对画面的分割。下面原图的地平线毫不留情地将画面分为两块,船(主体)位于海面,画面上下两部分并没有什么联系,也就显得天空成了一个不和谐的装饰物,或者给人感觉仿佛是两张图拼凑在一起的。


 


因此,后期的时候,将船的位置强行移动到地平线上,打破其完整性,用船帆将画面的两部分连接到一起,同时也改变了画面拍摄的角度。






镇楼图也是同理,如果拍摄角度太高,那么天空就从画面中分离出去了。把人物放置在地平线上,也可以让天空和地面同时发挥背景的作用。简而言之,找到打破地平线的媒介可以让画面看起来更加紧凑。




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6. 结语


 


天赋是图能力的一部分,后天学习是另一部分。对天赋太过自信而缺乏学习的话,很难理解自己为什么而拍摄一张图,创作思路也会比较凌乱。完全依赖感觉,也很难跳出原本的误区或者瓶颈。这就是我们为何要学构图。


 


在许许多多的摄影技能中,构图是最基本也是最复杂,包含内容最多的。本文中所讲述的地平线只是千千万万构图理论里的一个要点而已。而构图绝对不是独立的技能,如果想要构图得体的话,往往还需要结合摄影师对光线,色彩的理解和运用。


 


这里对新人的建议是,每次举起相机准备拍摄之前,脑子里花十几秒想一下,


地平线的位置在哪里?


是否符合情绪表达?


是否有必要歪图?


如何倾斜地平线效果更好?


画面中是否有作用不大的部分?


或许这样会在一开始降低你摁快门的频率,但是练习时间长了,这些思考就成为一瞬间的反应了。